Presentamos a Rafa Spídola, un músico que regresa a los corvers secuenciando los instrumentos.
En esta ocasión trata la canción “Let me love you” de Justin Bieber con ayuda de la cantante Karina Rodme. El video es realizado en nuestras instalaciones y es interesante ya que se desarrolla en un plano secuencia que inicia y aprovecha el “Mannequin Challenge”. Disfrunten.
La Mátrix de la guitarra
Las instalaciones de Solaz Salas de Ensayo, se vistieron de gala y rock n Roll este miércoles 16 de noviembre para recibir a Alex Otaola, quien compartió con los asistentes sus conocimientos musicales, historias en el escenario, experiencias personales junto a su guitarra y por supuesto, su gusto por los efectos, en especial por los “efectos raros”.
Como si se tratara de una teoría conspiracional, el actual integrante de bandas como “CUCA” y “San Pascualito Rey” reveló algunos secretos que el mismo ha desenmascarado en la teoría musical y en la formación de escalas, pero dejando en claro que son la pasión y las emociones, los elementos principales de cada canción, de igual manera, aprovechó para dar vuelo a su guitarra y aumentar la admiración del público con la amplia variedad de sonidos generados por los pedales Vntage Tone, una marca de efectos diseñada y elaborada en Guadalajara, Jalisco que actualmente da vida a la música de guitarristas como: Sergio Vallín, Joselo Rangel, Toño Ruiz, entre otros.
Para cerrar, el músico dio tiempo para las preguntas contando un poco sobre sus proyectos anteriores y actuales, guitarristas admirados, sus comienzos en la música y experimentos que lo han llevado a descubrir nuevos horizontes en las seis cuerdas.
¿Cómo entender que sacuda tanto la muerte de alguien que ni remotamente conociste o cruzaste palabra? Que todo el acercamiento fue a través de su obra, su poesía, sus rolas, sus vídeos, las notas de su vida, sus palabras… Algo difícil de desenredar.
Una posible respuesta tal vez sea Leonard Cohen, Canadá (1934 -2016). Sólo hace unos días nos enteremos de la noticia de la muerte del uno de los últimos juglares, a sus 82 años. Sólo hace unos días, también, había lanzado su último trabajo (literal) “You Want it Darker” (Lo Quieres Más Obscuro). Sólo el escuchar las primeras notas de la rola y su portada, por supuesto, de color negro total; tienen toda la forma de una despedida.
De niños tenemos a los superhéroes; de adultos, tenemos por héroes a los “Rockstars” a los escritores, etc. Leonard Cohen cumplía estos dos requisitos, al menos. Primero fue poeta y por un evento misterioso difícil de desenredar, también es leyenda del Rock.
El inicio:
Leyendo la letra de Suzanne, a través del teléfono, a Judy Colins, quien ya entonces era famosa y quien interpretó esta canción, así fue el comienzo su carrera dentro de la música. Otro evento misterioso, perdió los derechos de su primer éxito, pero decía que era mejor así; que él no supiera quien tuviera los derechos de esa, una de sus primeras canciones. Ya no le pertenecía.
Más de su vida:
Su breve romance con una de sus musas en el Chelsea Hotel de NY. Ella estaba acostumbrada a hombres guapos, pero con él, haría una excepción. Chelsea Hotel 1 y 2, rolas que años más tarde confesó fueron escritas para Janis Joplin y que describen (casi literal) ese romance fugaz. También reconoce que fue poco elegante confesar que fueron escritas para ella, que tal vez a ella no le hubiese importado.
Un hombre sensible que era capaz de caer en llanto en un escenario. Como sucedió en su gira de 1972 en Jerusalem cantando “So Long Marianne” (otra de sus musas). En este extracto se puede ver parte de ese momento. A mitad del concierto no puede más y decide parar. Tal vez fue Jerusalem, tal vez el final del su gira, tal vez Marianne….
Una vida llena de misticismo, judío, Monje Zen por seguir a su Maestro Roshi, pero una vida llena de misticismo también tuvo sus momentos difíciles. Por un tiempo perdió el rumbo y se metió en problemas, según sus palabras. Depresión (un experto en los antidepresivos como el “Prozac”); además de que probablemente su fama inicial se estaba desvaneciendo. Tal y como la vida de cualquier persona normal.
En vida, grandes músicos le han mostrado su respeto y admiración, músicos como Bob Dylan, Peter Gabriel, U2, Nick Cave, Ian McCulloc, REM, James, Pixies y una lista realmente interminable. Trabajos a los que ahora se les llama tributos; tal vez uno de los mejores, el vídeo” I’m Your Fan” en el que puede ver el respeto por el nombre y hombre Leonard Cohen.
Siendo poeta y tal vez más reconocido como escritor de canciones, recibió el premio Príncipe de Asturias. Muestra su profunda humildad al recibir este premio en su discurso.
Años después cuando posiblemente ya estaba alejado del Rock and Roll; en su vejez, tuvo que volver a las giras. Su representante le vació sus cuentas bancarias y tuvo que volver a lo que solía hacer muy bien: componer y cantar. Otra vez, por un evento misterioso difícil de desenredar. Volvió porque tenía aun cosas que mostrarnos, cosas por hacer. Y lo hizo con gran profesionalismo. Sus músicos hablaban “del concierto antes del concierto”, es decir, prácticamente en el “sound check” tocaban todo el concierto, para asegurarse que todo estaba en orden. Una muestra de que la edad no tiene que ver con el profesionalismo y dar la mejor versión de sí mismo. Un ejemplo de envejecer correctamente y de pasión por la que hacia. Cada una de sus creaciones, cada frase, cada una de las palabras eran seleccionadas con cuidado, con detalle, sin prisa.Hacia y deshacía hasta lograr el mejor trabajo.
Acerca de su fama de Mujeriego:
La resume con sus propias palabras…
“Mi reputación de mujeriego fue una broma que me hizo reír con amargura durante las 10,000 noches que he pasado solo.”
A veces tenemos una idea errónea de la vida de los “Rockstars” y olvidamos que son seres humanos y tal vez, no tan diferentes a nosotros.
Despedida:
Otro evento misterioso que nunca desenredaremos; su despedida en “ You Want it Darker”, queda plasmado en parte de la letra:
“I’m ready, my lord”
“Estoy listo, mi señor”
Para los iniciados una gran pérdida, para los que apenas se inician y están dispuestos a descubrir o re-descubrir a Leonard Cohen, encontrarán en su trabajo una frase, una canción, un poema que los sacudirá y seguramente, por lo menos, sin ser pretencioso, permanecerá algunos días rebotando en su cabeza.
Tal vez quedarán muchos más eventos misteriosos sin desenredar…
“Es tiempo de que comencemos a reírnos y llorar y llorrar y reírnos de todo otra vez”. So Long Leonard….
El Observatorio Subterráneo
Nota: Originalmente estaba programado este blog, escribir sobre los discos nuevos o por salir, uno de ellos era Leonard Cohen-You Want It Darker, pero por un evento misterioso difícil de desenredar tuvimos que cambiar el orden y esta es la primera entrega.
El observatorio subterráneo es una mirilla para compartir la música del “underground “que aún existe y que muy probablemente no forme parte del “mainstream” y que no sea programada en las estaciones de radio. Sin intenciones de crítica musical o literaria; solo la intención de compartir la música. Con la coproducción de “Solaz Salas de Ensayo”, “Sinestesia Radio” y EL “SIGM” (Sello Imaginario Ganso Muerto). 2016
Dínamo estrena un video más de una canción de su Disco X: Una más.
Con ésta entrega nos dieron el honor de participar con una idea que engloba todo lo que Solaz representa: la proyección que una banda puede alcanzar mientras ensaya cuando el momento y el lugar son más que adecuados.
Ellos entienden que los ensayos son trabajo, inspiración y proyección, aunque todo lo que importe sea en el escenario, los ensayos son fundamentales para el crecimiento y fuerza de una banda.
Dog Union es una banda Inglesa-tapatía que se conformo hace dos años aproximadamente; desde sus inicios han tenido un sonido potente, pesado y consistente, cualidades que encuentran su reflejo en las ganas de sus tres integrantes en llevar su música cada vez más fuerte y cada vez más lejos. Y este es un paso firme en su carrera musical, su primer EP oficial: “Blind dog incident”.
Blind dog incident consta de cuatro canciones que funcionan como introducción a esta agrupación. Inicia con “Sick”, una canción espaciada, con diferentes niveles musicales que van escalando estrofa a estrofa hasta liquidar la canción con riffs y una voz tan desgarradora como su letra.
“Drag you down” es el segundo corte de este EP. Los seguidores de la banda ya lo conocíamos desde su lanzamiento durante el primer cuatrimestre del año. Si hay una canción que pueda definir a Dog Union, sería ésta, que de principio a fin es una viaje poderoso que explota la sencillez, el dominio y autoridad de un power trio; que la guitarra, presente todo el tiempo, no deja de matizar y tomar fuerza por medio del bajo, siempre atrás, siendo el sustento de la banda, pues la batería, contrario a lo normal, que es acompañarse con el bajo, se guía y hace sus ritmos, redobles y demás con base en la guitarra, y hacen las canciones más dinámicas, aunque en ocaciones pueda sonar redundante le da un toque diferente y sobresaliente al grupo.
“Disconect” es una canción tan enérgica como la anterior, es un refuerzo al fundamento de la banda, una guitarra que te hace estremecer apoyada por la batería acrobática y acompañada por el bajo, que hacen un buen sustento para esa voz aguardentosa que no hace mas que ser congruente con el sonido de la banda y con los temas que tocan en cada letra.
Y para terminar, nos presentan “My remorse”, que se podría considerar la balada del disco, esto no quiere decir que sea una canción lenta y tranquila; sí, es una canción a medio tiempo, sí, es más lenta que las demás, pero el peso con la que cae se asemeja a ese espiral que es el remordimiento y a ese torbellino que es la culpa. Que cuando cae la canción, la batería da la entrada para que surjan de nuevo los riffs pesados y crueles una y otra vez.
Cabe mencionar que este trabajo grabado está realizado por la alineación original: Rob Thompson en el bajo y la voz, Angel Díaz en la guitarra y Daniel Álvarez en la batería. Sin embargo, están estrenando baterista: Carlos Chávez, quien, con solicitud y deferencia, aprovechá el magnifico trabajo realizado por Danny y seguramente resolverá las nuevas composiciones también de una manera excepcional.
Dog Union empieza su primera gira a finales de mes presentando su EP; irán a distintos lugares del país, con suerte, pasarán cerca de tu cuidad.
En este día de muertos recordamos a los músicos que se han ido este año y que han dejar su rastro en el mundo y que, algunos, hasta han sido influencia para la música que se compone día a día; entre los más conocidos están Prince y Scott Weiland, este último, vocalista de Stone Temple Pilots; recientemente se fue un gran compositor mexicano, Juan Gabriel, quien es un icono de la cultura popupal mexicana.
Pero hoy destacamos especialmente a David Bowie que es recordado con una canción compuesta por la agrupación de metal española Skunk D.F. Que en su nuevo disco “Pigmalión” el vocalista de la banda, Germán González, le dedica una letra cargada de energía, nostalgia y el pesar de su partida. La canción se titula “El chico de las estrellas”, y es una referencia a las canciones que Bowie componía sobre el espacio, “Starman”, “Life on Mars?”, “Moonage daydream”, “Hallo spaceboy”, entre otras, incluso hay una parte prestada de “Space Oddity” en el que se hace una cuenta regresiva para el lanzamiento de la nave y también el rayo que pintó en su cara como otro de sus alter egos. Las referencias son parte importante en “El chico de las estrellas”, pero lo interesante es la declaración de lo que Bowie representa, el genio que tenía para crear musical y visualmente, el ejemplo a seguir como músico y compositor y el icono que es para la cultura popular.
Te alejas en tu cápsula espacial, nos dejas la mediocridad.
¿Ahora a quién vamos a imitar?
Morir creando hasta el final y hacer de la muerte otra obra genial.
¿Dime a quién vamos a a imitar si te vas?
¿Hacia dónde vamos a mirar?
Ocho. Siete. Seis. Cinco. Cuatro. Tres. Dos. Uno.
El chico de las estrellas vuelve a su hogar,
dilató nuestra pupila en la oscuridad.
¿Quién nos guiará?
Extraña fascinación en nuestra civilización.
Sonidos de otra dimensión y un traje espacial.
El chico de las estrellas vuelve a su hogar.
Atravesó con un rayo nuestra cara vulgar.
Encontramos la belleza en la ambigüedad,
nos hizo diferentes, nos dio identidad.
Extraña fascinación en nuestra civilización.
Sonidos de otra dimensión y un traje espacial.
Ves por donde va, se aleja como una estrella fugaz.
Ves por donde va, le sigue todo un complejo estelar.
El otoño es una estación que representa el final del año; nos llena de nostalgia, desde el paisaje citadino hasta el ánimo interior, es un tiempo para evaluar y dejar atrás lo que no sirve ya que todo está cansado y más dispuesto a dejarse ir.
Es por eso que esta estación la dedicamos a la Sala Tierra, que ofrece un cobijo para esta introspección a la que nos invita el otoño y, que a su vez , esta protección nos llena de vida.
El mejor ejemplo es el disco Hasta la Raíz de Natalia Lafourcade; en general, el disco trata del duelo por la pérdida de un ser amado, pero entre la música y, sobre todo, las letras, el viaje que nos propone es hacia adentro, a lo hondo y a lo profundo de una chica que terminó una relación y usa metáforas como los elementos y las estaciones para explicar este proceso de introspección.
Empieza con una mirada hacia atrás con la canción que titula disco: “Hasta la raíz”, que cuenta que él, aunque ya no esté, sigue con ella y la va a acompañar: “Yo te llevo dentro, hasta la raíz y por más que crezca vas a estar aquí.” Estaría de más explicar la metáfora de la raíz y las plantas y la vida, pero cabe destacar que este símbolo prepara el tono de comunicación del disco entero.
Con la segunda canción “Mi lugar favorito” comienza una narrativa sutil, podría considerarse el principio, cuando este personaje acepta que sus sentimientos por él se imponen a su conciencia y lo deja entrar en su mundo. Luego la historia da un pequeño salto en el futuro con “Antes de huir”, cuando todo se complica y viene un estado auto-crítico en el que ella recuerda los vínculos que formaron entre ambos para evitar una crisis afectiva que es eminente: “Voy a cambiar de estación, voy a explorar inviernos en el interior.” La estación que precede al invierno es el otoño, nuestro tema principal, y en esta canción está claro que la relación de los personajes está cansada y ambos están dispuestos a dejarla ir; solo con un cambio ella puede seguir adelante, pero entes tiene que pasar por el frío y desolado invierno.
En la mejor canción del disco, o en una de las mejores: “Ya no te puedo querer” ella espera, es como un árbol que se mece con el viento del final del otoño y hay más símbolos de soledad que usa como el tiempo que está presente en todas las canciones: “La primavera llega a mí después de un largo invernar” Jugar así con los lapsos de tiempo usando metafóricamente las estaciones para explicar sentimientos es de lo más suculento que hay en esta obra.
Continúa con la crisis afectiva con “Para qué sufrir” y “Nunca es suficiente”, que son letras que hablan de situaciones que vivieron en pareja, solo que ella es la que recuerda y pone en evidencia lo que estaba bien y lo que estaba mal dentro de la relación.
“Palomas Blancas” quizá sea la canción más representativa del disco, aunque no haya sido un sencillo o de las canciones que más pide la gente, reúne los elementos fundamentales en los que esta basado todo Hasta la raíz, musical y líricamente. Esta canción es una suplica a la tierra y al poder que tiene de otorgar vida. “Tierra abrázame” Este es el símbolo más recurrente, y el más elemental, representada desde una chica fuerte que busca estabilidad en sus sentimientos y en su pensamiento, hasta la búsqueda de cobijo por la misma tierra; el final de la búsqueda representa del reposo, la calidez y la introspección de la intimidad de esta mujer. “Que nunca se acabe nada de lo nuestro” La tierra también representa lo duradero que, en más de una forma, es también un refugio pues la tierra es la madre y el sustento de vida.
Luego la historia continúa con más introspección de lo que fue la relación en “Te quiero ver” y “Vámonos negrito”, canciones donde se hace notar el tiempo y una mujer que espera paciente a un hombre que es más como el agua.
Y a partir de la décima canción, “Lo que construimos”, la historia nos prepara para el final; esta canción es una aceptación del personaje a que la relación ha terminado y ha sido para bien. “Estoy lista” es un renacer, surgir de esa protección que solo la tierra concede, que cuando todo se destruye vuelve al barro, de donde vuelven a surgir cosas nuevas. Y este renacimiento la lleva a una decisión: “No más llorar”, que es la resolución y el fin de la historia.
Hasta la raíz es un reencuentro con la intimidad, una búsqueda de refugio, calidez y reposo; un surgimiento de la paz y la permanencia para un relajamiento interior en la voz de una mujer realista, sosegada y con una voluntad tan firme como la tierra.
10 años se dicen fácil, pero sabemos que, simplemente, no lo es.
Dínamo festeja su primera década en tres partes: video nuevo, nuevo disco y un concierto muy especial. La primera sorpresa es el video de la canción “Desde que”, en el que la misma banda hace un tributo a sus amigos, socios y colaboradores; una tarde, la gente empezó a llegar, rock, pizza, cerveza, amigos y los Dínamo; a simple vista era una fiesta, un lugar para pasarla bien, pero algo más estaba ocurriendo, ellos estaban creando un homenaje a las buenas relaciones que han forjado a lo largo del camino y esto es importante, reconocer y agradecer a los que nos ayudan, apoyan, a los que de alguna manera han estado ahí acompañándonos, pero Dínamo no se quedó ahí, pues hasta algunos fans tuvieron la oportunidad de participar. Y el resultado es el reflejo de esas buenas relaciones y esos buenos tiempos que hemos compartido con ellos.
Para seguir con el festejo, la segunda sorpresa es su segundo disco que pronto será lanzado “Disco X”. En este album retoman algunas de las canciones que hicieron desde sus inicios, lo que pinta para un buen viaje auditivo de lo que han hecho en estos 10 años.
Y para cerrar su celebración harán un concierto“Dínamo X Aniversario” el 12 de Agosto, en el que compartirán el escenario con la banda Sublimal y para el cual están preparando un show espectacular; lo bueno es que estamos todos invitados.
El sábado pasado tuvimos una Master Class impartida por Plon, líder de Mamastróficos y bajista de Natalia Lafourcade; en donde, además de regalarnos un par de temas de su banda, impartió tips y conocimiento de su instrumento: groove, improvisación y rítmica; además echó el jam con algunos de los asistentes, haciendo su cátedra muy amena. En otras palabras, Plon es un buen ejemplo de que el talento y la sencillez van de la mano. ¡Muchas gracias hermano!
Estos cuatro tipos no se reservaron ni se guardaron nada con su Garaje Bang; lo que habla de una entrega total al proyecto y que, todos sus integrantes, están en la misma página, cualidades que hacen sobresalir a una banda.
En general, Ixtoc logra un resultado robusto y consistente; y es que de principio a fin no bajan la guardia, parecen hacer un descanso a la mitad pero el estruendo de las guitarras y el peso de la batería y del bajo mantienen arriba la canción. Por una parte el sonido es poderoso y estridente, acompañado de temas que hablan desde la profundidad del corazón de un hombre: pérdida, vacío, duelo, amor y hastío, que al condensarse emergen en forma de sexo, alcohol y mujeres y demás vicios que tenemos los hombres.
Lo primero que suena es un ritmo potente de batería que parece mover la tierra, unos compases más tarde entran guitarra y bajo sugiriendo de qué va este primer tema; este intro desemboca en el ritmo matriz de la canción para dar lugar a la voz. Mira hace de retrovisor para aquel que ha tenido una mala experiencia en el amor, que hace más llevadera esa experiencia con un coro pegadizo y esa guitarra que trae consigo todo el peso de esta pérdida.
El segundo tema es Bitch, uno de los más alocados y el único en inglés; ahora es el turno del bajo para empezar la canción, seguido de guitarra y bateria, luego un ritmo y riff tronador que conforman el intro de la canción. Para el verso la batería marca un ritmo consistentemente con los toms, el bombo y la tarola, que hace contraste con el coro que es más ligero, y referencia al vacío que ha de sentir una dama de la noche.
Cada vez es el tema “tranquilo” del disco; inicia con una guitarra acústica, que es quizá la única guitarra acústica que suena en todo este Garaje Bang, después la acompaña el bajo con una linda melodía y es la batería que, en un arrebato, marca el cambio de la canción a una balada heavy, pero el trabajo vocal es el que llega a poner orden pues resalta y es muy preciso, pasando de lo grave a lo agudo cada que la canción lo requiere, y es la voz la que te lleva de la mano y enfatiza lo que es el duelo y el dolor de ver partir a una mujer.
El descontrol total es Ácido, desde el tema que se metaforiza el deleite y destrucción de una relación con una adicción hasta la música en sí. Tiene un riff pegadizo y mismo así son el verso y el coro; después del solo de guitarra, que por cierto todos son sólidos y concisos, vuelve a sonar el coro y a partir de ahí es una espiral que se desencadena hasta el final de la canción.
Por último, un himno a las chicas, a la cerveza y a la fiesta; Una chela más es un tema que fácilmente se puede adoptar para cada viernes a las cinco de la tarde cuando cargas con el cansancio y el hastío del trabajo. Aquí el vocalista se ve asistido por sus músicos al gritar para enfatizar ciertas partes, lo que nos hacen entrar más en ese ánimo que lleva la canción. De principio a fin es pegadiza y muy identificable para todos; diseñada, lo hayan querido o no, para iniciar el desastre, seguirlo, y empezarlo de nuevo, pues la letra hace este mismo arco.
Haya sido su intención o no, parece que sucede algo interesante en el orden de las canciones, pues de cierta forma parecen intercaladas: Mira, un tema con mucho peso en la letra, luego Bitch que es más estridente y liviana, seguida de Cada vez que es un tema mesurado y también con énfasis en la letra, en penúltimo lugar viene Ácido que es más descontrol y por último Una chela más, canción que concluye y une estas dos partes de la banda: la parte liviana, en la que se deja más lugar al poder de la música, con la parte del peso, en el que se trabajan más letras, la música es más medida, con más espacios y mejores arreglos.
Estos cinco temas conforman un disco espectacular tanto en lo musical como en el trabajo lírico y, a pesar de que la música es lo que hacen, no se quedaron atrás con su propuesta gráfica, que también es muy buena, pues desde la portada te das una idea de qué van estos tipos y cada aspecto del arte del disco es un acercamiento a quién es esta banda llamada Ixtoc.
